All work, no play? Al contrario. Yo siempre destino un poco de tiempo para darme la vuelta por tiendas y restaurantes pues al final de cuentas uno tiene que comer y comprar souvenirs del viaje, no?
Base es la típica tienda gadgety que está en cualquier mall. Esta estaba sobre Lincoln Road, una especie de centro comercial sobre esta larga calle peatonal. Se podría decir que le hace la competencia a Barneys COOP por que encontré cosas más padres acá que en el coop de collins ave aunque tengo el ligero presentimiento que el público target de Base es Gay (pero siempre termino en estas tiendas... será que soy muy femina?). Desde la decoración de la tienda, la atención y los productos hasta la música que ponían, todo era de mi agrado (quizá los precios no tanto pero estamos hablando de marcas caras como Maison Margiela, Raf Simmons, Commes de Garcon, etc). Y bueno, siguiendo con el tema de la curaduría, me encantaría decir que en las tiendas también se lleva a cabo este tipo de práctica, y sobretodo si es una "concept store" y Base es este tipo de tienda. Venden un poco de todo. Tienen libros, discos, ropa, juguetes, llaveros, accesorios, fragancias, bolsas, artículos para el hogar, etc... te venden el lifestyle a todo lo que da y me parece perfecto.
BASE is a must! 939 Lincoln Road. Miami Beach, FL 305 531 4982
Funkemotions es más una tienda de regalos y novedades pero para la gente joven y moderna. Al parecer apenas abrieron en diciembre ya que antes eran una tienda en línea. Yo iba caminando rumbo a Scope y me la encontré en el camino. Este lugar es perfecto para comprar bowls para las botanas, tapetes para la entrada de tu casa con siglas como Go Away o Welcome, artículos de oficina, accesorios, bolsas, y lo que más me gusta es su selección de lentes obscuros!!! Lo bueno es que también puedes comprar en línea y tienen una amplia gama de productos de todos los precios (amplia... osea venden un vibrador de 80 dólares y uno de 1,400 de oro).
Durante la semana que estuve en Miami, fui a cuatro ferias, dos colecciones, un jardín botánico y al final a un museo. De no haber sido por Max Herrlander, no hubieramos ido a visitar a Ruba Katrib a su nuevo trabajo. Ruba antes vivía en Nueva York y era muy amiga de Adam Michaels, pero no sabíamos que se trataba de la misma Ruba hasta que llegamos al museo y la reconocimos. A mi me impresionó que una chica tan joven ahora ocupe un puesto de tal importancia (curadora asociada en el MoCa Miami) y después de ver la expo que curó, confirmo su talento! (a parte de darnos la visita guiada, nos mostró su invento, un timer para los cuartos de videoinstalaciones).
The Reach of Realism .... hmmm aquí me iba a poner a explicarles todo, pero el texto está mucho mejor.
The Reach of Realism brings together an international group of artists exploring the artistic traditions of Realism in an age of digital manipulation and staged reality. The exhibition features works by Uta Barth, Olaf Breuning, Tom Burr, Talia Chetrit, Anetta Mona Chisa & Lucia Tkacova, Phil Collins, Thomas Demand, Alex Hubbard, Matt Keegan, Ragnar Kjartansson, Elad Lassry, Lars Laumann, Adam McEwen, Wilhelm Sasnal, Xaviera Simmons, Martin Soto Climent, Wolfgang Tillmans, Sara VanDerBeek, Emily Wardill, Gillian Wearing, Judi Werthein, and Artur Zmijewski. The Reach of Realism is organized by the Museum of Contemporary Art, North Miami and is curated by MOCA Associate Curator Ruba Katrib. The exhibition is part of MOCA’s Knight Exhibition Series.
The contemporary artists in The Reach of Realism use various strategies to address the increasing fusion between daily life and popular media. From 19th century painters who depicted everyday life during the industrial revolution, to the 1980s “pictures generation” of artists who criticized the media’s growing influence on society, artists have used realism as a political strategy. Today, it is widely understood that while images are effective in communicating ideas, they have lost some impact in communicating truths because of increased manipulation and outright fabrication. The artists in the exhibition convey the desire for authenticity in images while distrusting the ability of images to communicate an objective reality. By choosing to obstruct straightforward depictions and instead reveal poetic truths, these artists question whether the images they produce and the realities they portray can be meaningful. In creating semblances of reality, the artists are more interested in the inclusion of a detail or moment in a work that contains the potential for realism and not realism itself.
The exhibition includes a selection from Gillian Wearing’s series Signs that say what you want them to say and not Signs that say what someone else wants you to say (1992-1993). In these works, Wearing chose pedestrians from a busy area in London who were typically bombarded with mass media images and asked them to make signs to communicate whatever was on their minds. Lars Laumann’s new film Shut Up Child, This Ain’t Bingo (2009) provides a compelling look into the boundaries of art and life by examining the story of a fellow artist who falls in love with her subject, an inmate on death row in Texas. Wilhelm Sasnel questions realism through his paintings that move between representation and abstraction while honing in on skewed pictorial perspectives and mundane details. Adam McEwen merges language, iconography, and mundane objects to create humorous interpretations of daily life. Sara VanDerBeek collects images that refer to specific histories, such as the destroyed Bell Grove Plantation, to construct her photographs, but then intervenes in their possible interpretations through layering and obstruction of direct communication. In Elad Lassry’s work, he incorporates found images and images he has photographed himself to complicate the classification of the types of images artists choose to work with. Ragnar Kjartansson performs the same fragment of a song over and over in his video God (2007), questioning whether a moment becomes more or less real if it is repeated. Artur Zmijewski reveals the power of images in his video work Them (2007), in which various conflicting social groups compete to create their own iconography.
The artists in The Reach of Realism question the status of realism in artwork today. They choose particular images and narratives to work with and grapple with the challenges and implications of circulating them within artwork.
Beg, Borrow and Steal @ The Rubell Family Collection
Hace poco tiempo, estuve en el museo de arte moderno y había una mini exposición sobre el coleccionismo. Había un par de colecciones de miniaturas, varios monitores con películas sobre coleccionismo, y muchos libros. En una de esas pantallas vi un clip de una peli que me gustó mucho, se trataba de La Collectionneuse (Eric Rohmer 1967). En el clip salía una chica en mini-bikini tomando el sol en la playa al fondo del cuadro y dos hombres mirándola y discutiendo el punto. Obviamente ella era la coleccionista, pues cada noche invitaba a un hombre nuevo a su cama, y ellos intrigados e indignados trataban de encontrarle sentido a su comportamiento hasta que uno de ellos sabiamente declaró que ella era una coleccionista, que le gustaba probar diferentes sabores, que sentía placer al conocer a alguien nuevo, que le gustaba tener una colección por que eso la hacía sentir segura, le proporcionaba imágenes que recordar... en fin, quisiera conseguir el guión y la peli pues me parece una de las películas más brillantes de esos tiempos. Entonces aunada a Belle Dujour y El Graduado son mis pelis favoritas.
Y este largo prólogo sirvió para decirles que en ese prolífico viaje a Miami también visité The Rubell Family Collection Museum en el cual había una exposición titulada Beg, Borrow and Steal... Sus cárteles me recordaban a lo que vi durante la expo de Willy Kautz en el Carrillo Gil (Uso Perfume para ocupar más espacio), pero nada que ver con lo que había en esta curaduría... Y esta frase está basada en una cita de Picasso que decía "Good Artists Borrow, Great Artists Steal" entonces esta expo es sobre las imágenes que se apropiaron los 72 artistas de la colección para generar piezas de su autoría (la postproducción, la reinterpretación).
Ultimamente me he dado cuenta que todos los coleccionistas de este lado del continente tienen las mismas cosas... o cosas un poco distintas de los mismos artistas. Tan solo de esta reinterpretación de la colección Rubell, me di cuenta que son super patriotas pues casi todos los artistas que tienen ahí son americanos... hasta peca de predecible, caray! Esto no significa que tengan mal gusto, sino que tienen gusto de coleccionista... siempre las mismas cosas. Y bueno, hasta lo más audaz y extraño ya se me hace "equis" por que no siento que estén arriesgando mucho con sus elecciones (y me refiero a casi todos los coleccionistas). Se me hace que solamente podré entender a un coleccionista cuando sea uno/a. Lo que veo es muchas compras seguras, guiadas por los corredores que les venden la obra como una gran inversión y quizá muchas de estas piezas ni las entienden, ni saben que las tienen. Quizá me equivoqe... Digo, por que cabe mencionar que el arte es deducible de impuestos, entonces a mi no me van a negar que es una manera elegante y sutil de salir de broncas con Hacienda.. (IRS en estos casos). O estoy equivocada y por más dinero que alguien tenga, no va gastar a lo pendejo en algo tan subjetivamente caro... En fin, veamos!
Aquí hay un conglomerado de piezas de Nate Lawman... no sé si las compraron todas juntas o así las pusieron para la expo. - Last Supper Xerox 2003 - Roc la Familia 2001 - Untitles ( ted Kacynski Book Report) - Dumbing Down Debate #1 - No Blonde Jokes
Bonitos colores, interesantes juxtaposiciones, lo de las copias xerox muy po-mo... etc...
Esta no me acuerdo de quien es, pero obvio que les va gustar comprar un cuadrote con fotos fijas de actores interpretando papeles de nazis, policías, héroes de guerras mundiales, líderes, villanos de la nación, etc... muy americano esto!
OK... todos los coleccionistas quieren tener algo de Jason Roadhes (Q.E.P.D.) quizá por flamboyante, por sus fiestas, por su estilo de vida, por sus llamativas instalaciones kitsch, por estar en una de las mejores galerías de NY, por que ya murió... etc. Y tanto shock causó que hasta pusieron esta plaquita:
Y tenían que estar los favoritos de los Rubell, Kelly Walker Guy Guyton all american de middle america con sus fotos a grande formato de los LA Riots y una X gigante, botes de pintura alineados en el piso... muy simbólico, ajá, pero a ver, cuándo han sido recriminados ustedes los coleccionistas? qué tanto saben de estos eventos? dónde estaban cuando esto pasaba? dejaron la tele prendida durante los riots para ver lo que acontecía o estaban bebiendo champán mientras tomaban el sol en su yate o convivían con los artistas mismos durante un bacanal de aquellos? jajajaj... (muy amargosa verdad!)
Otra obviedad del coleccionismo, (ni tengo que escribir de quien se trata)
Y cómo estábamos en el mes decembrino, creo que fue apropiado poner esta pieza ( y para no desentonar con el resto de la corrida de la expo pusieron la de las aspiradoras) de Steven Shearer quien estuvo compartiendo suelos con Daniel Gúzman en esa expo de rock que hubo en el New Museum y en el MUCA.
Pero la pieza que más me gustó (ya noté que siempre pongo lo mejor al último, será por que me gusta el postre!!) Fresh Acconci de Mike Kelly y Paul McCarthy. Esta obra es una serie de videos con duración total de 44min en la cual sale una mujer desnuda tratando de seducir a la cámara, para después rogarle que esté con ella por que se está muriendo. También hay otra parte en la cual la mujer tiene los ojos vendados (sigue desnuda) y Mike Kelley le está pasando la mano por una parte del cuerpo y ella tiene que adivinar donde está su mano. Y aunque se produjo en 1995, parece más como de los 70's por el cuerpo de la mujer. Me gusta por su ironía, por su estética retro y porno, me llama el color de la luz, y la forma bipolar en la que actúa la chica. Yo creo que es lo más burlón de la expo (y por ende, mi favorito).
Como conclusión estaría padre que no le pusieran ficha a nada y que la gente interesada, pidiera una hoja de sala y jugara el juego de adivina quién? Por que a los demás les puede valer cacahuate quien hizo qué... en realidad muchas veces ir a un museo es ir de paseo, ver cosas nuevas, convivir con el arte sin necesidad de sentirte presionado por saber quién hizo qué o cuándo lo hizo. Una pieza muchas veces te llama solo por que te gusta, por que hay algo que está dentro de ella que despierta un sentimiento o una memoria que está dentro de ti, entonces a veces me gustaría no saber de quien es, pero lamentablemente, con un par de visitas a los museos grandes en ciudades como la de México, NY o París, con eso tienes para reconocer. Como si no hubiera más artistas... en fin, el arte a veces es para el mismo medio del arte. Y el resto es inexistente.
Being in the world Selecciones de la colección Ella Fontanals-Cisneros, Miami, FL
Being in the world ;Selecciones de la colección Ella Fontanals-Cisneros, curada por Berta Sichel (directora del departamento audiovisual del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid).
Conectadas por la idea Sartreana de "estar en el mundo" Sichel escogió siete obras multimédicas de las 63 pertenecientes a la colección. Sartre asumía que toda actividad humana se llevaba a cabo o se desarrollaba a partir de circunstancias o contingencias específicas. estas obras exploran una amplia gama de ideas: percepción, el deseo de libertad, la complejidad, la suerte y la tristeza humana.
Las obras que me gustaron fueron: The Raft - Bill Viola Es un video en el cual aparece un grupo de 19 personas de diferentes estratos sociales y razas que mientras esperan el camión son bañados por un torrente de agua bastante poderoso que tumba a varios, mismos que intentan levantarse apoyados de los otros. Es una metáfora de la sobrevivencia... en un loop a cámara lenta).
Zarin - Shirin NeshatEste largometraje relata la historia de Zarin, una mujer que ha trabajado en un burdel desde pequeña. Las imágenes muestran a una chica frágil a punto del colapso emocional. Durante uno de sus intercambios sexuales, el cliente aparece sin cara, lo cual da muchísimo miedo y refleja como ella trata de borrarlos de su memoria después de años de abuso. Después va a un hamam a bañarse y se talla tan fuerte que termina sangrando. Finalmente escapa del burdel, pero no tiene a donde ir... no tiene un lugar en el mundo... y esto es desgarrador pero a la vez muy bello.
Marongrong - Robin Rhode esta es una forma de analizar varias preocupaciones sociales de una manera juguetona. Su manera de contar historias es bastante particular y lo demuestra con su arte. Utiliza mucho las paredes de la calle y el grafitti, pero en este caso muestra a unos chicos dibujando un círculo con gis desde una toma cenital... estos dibujos efímeros representan a la vida y lo que viene y va pero solo permanece en la mente.
Voz Alta Video and Prototype - Rafael Lozano-Hemmer El mexicano hizo una instalación doble que consistía en un video y un altavoz que reflejaba luz sobre una pared dependiendo del volumen de los sonidos emitidos a través del altavoz. Lo que me gusta es la interacción con el público. Esta pieza es en memoria al 40 aniversario de la matanza durante la protesta estudiantil del Tlatelolco. El video muestra a las personas congredadas en esa fecha (2 de octubre) externando sus opiniones sobre este suceso. Mientras lo decían por un altavoz, su voz se expandía y traducía en brillantes rayos de luz.
No tengo mucho que decir sobre esta feria. Lo único que me gustó estaba en la entrada. Venía cansada de caminar por Pulse y la Colección Cisneros. La cuestión es que los pisos eran de madera pulida, hacía mucho frío en el interior y me molestó que le dedicaran tanto espacio al arte asiático (Art Asia). Yo sé que el artista que más vende es chino (o japonés?) pero eso no significa que el resto de los asiáticos sean buenos. Sonará racista pero casi todo lo asiático me parecía igual después de un rato.
Lo bueno fue que al llegar, me dolían tanto los pies, que me senté en unas cómodas sillas que estaban enfrente de una magna escultura sonora. Se trataba de The Riot Temple y justo cuando me puse a platicar con el que la cuidaba, me di cuenta que la pieza era una colaboración de este cuate con mi amigo Ryan O'Connor y me dio mucho gusto. Se trataba de una estructura de metal que parecía un árbol, con ramas rectas y al pie de este estaba un aparato llamado "The Gamelatron" que Taylor construyó y para el cual compuso una melodía que duraba 75minutos... una onda muy tibetana mezclada con escudos de los que los policías usan cuando hay protestas o levantamientos (riots)... Me encantó, no había visto una escultura pública tan agradable y evocadora. Por eso, vamos a tratar de traerla a México cuanto antes!!!
El resto de las cosas que vi eran chistes, caricaturas del arte y piezas que obviamente van más de la mano del diseño o que te encontrarías en un concept store y no en un museo.
Hasta el área de descanso estaba falta de clase. Nótese la edecán hablando por teléfono al pie de un grafitti. Sooo passé!
En diciembre NADA significa algo -para el mundo del arte-; son las siglas de New Art Dealers Alliance, una organización sin fines de lucro dedicada a apoyar a todos los que trabajan promoviendo arte contemporáneo nuevo y emergente. Yo me enteré de esta feria cuando vivía en Nueva York, por que mi amigo Adam Michaels (projectprojects.com) desde hace tiempo es el responsable del diseño gráfico de NADA.
Después de ir a Pulse y Scope y ver el contenido, la gente, los patrocinadores y los eventos, me di cuenta que en NADA estaban las galerías que conozco y que frecuento de manera casual. También estaban muchas personas conocidas y como este "crowd" siempre ha sido "effortlessly original and hip" este año decidieron cambiar de sede al Deuville Beach Resort, un hotel de los 50's que pertenece a unos rusos.
Los salones donde estaban los stands estaban alfombrados, y tenían unos candelabros impresionantes que demostraban su vieja gloria. Los ventanales eran el marco perfecto para un atardecer y el lobby me recordaba a los hoteles que mis abuelos frecuentaban cuando iban a Las Vegas.
En este relajado y casual ambiente, la gente se veía tranquila. Tanto que muchos estaban en shorts o bermudas; atuendo perfecto para salir a tomar el sol a la orilla de la piscina. Ahí me topé a Ben Godsill un ex-compañero de la maestría que ahora es curador asociado del New Museum, a Aldo Sánchez el coordinador del Mexican Cultural Institute en NY, quien iba tocar al estilo Fresa Salvaje después de dar una plática en conjunto con la curadora Shamin Momin de la recién formada LAND (Los Angeles Nomadic Division) sobre el arte contemporáneo mexicano y a Cecilia Jurado de la Y Gallery en Brooklyn.
A parte Eduardo Sarabia y el cuate que dirige I-20 (Paul Judelson) que siempre está con los mexicanos organizaron una fiesta muy divertida con barra libre y con performance de Louis Vidal y Justin Liberman y un show secreto de The Drums (iba ser un DJ set nadamás pero tocaron en vivo con todo y coristas). Y ahí estaba José García, Marío García Torres, Eduardo Abaroa, Noah Sheldon, Moisés Micha, y se me hizo haber visto al Peñafiel.
Las dos personas que tuvieron más proyección en este evento fueron Olaf Breuning quien ganó el premio Grolsch de este año y Mathew Higgins, el director de la galería White Columns de NY. Los jueces de este concurso fueron precisamente Shamin, Ben Godsill, Higgins, Anthony Elms de la Gallery 400 de Chicago y Ruba Katrib, otra amiga que ahora es curadora asociada en el MoCa North Miami.
Yo no sé si ya estaba cansada de ver tantas cosas, o simplemente me fui a los stands conocidos, pero lo que podría resaltar es el stand de White Columns del cual soy súper fan pues admiro mucho su manera de comercializar las cosas y apoyar a los artistas (que a parte me gustan casi todos los que manejan).
Otra cosa que me llamó la atención y me atrajo fue el colectivo The Bruce High Quality Foundation. Los vi en varios stands y una semana después vi varias piezas de ellos en una expo del PS1.
Y por último (o last but not least or save the best for last) Conrad Ruiz quien vamos a tener en Yautepec en el 2011. Un chavo que reside en San Francisco, se acaba de graduar y ya tuvo su solo show en Silverman Gallery a parte de pertenecer a varias colecciones privadas y en museos... qué más quieres. Sus acuarelas son impresionantes, chistosas y con un burdo comentario social enfocado a los afroamericanos. Muy pop, kitsch y surrealista a la vez. Tres factores clave para encandilarme fácilmente a parte de que Franklin y Jessica fueron muy atentos conmigo.
Otros participantes fueron Julieta Aranda (e-flux), Nato Thompson (Chief Curator of Creative Time) y Richard Flood (Chief Curator of New Museum). Osea la creme de la creme niuyorkina del arte contempo joven, emergente o nuevo (como le quieran etiquetar).
Después de estar todo un día en Miami Basel, decidí explorar las otras ferias y según muchos, Pulse era la que seguía después de Basel, entonces pasé a visitarla. Con el pase VIP de Basel podías entrar a Pulse y a Scope gratis. Nada (Art Fair) era gratis y no necesitabas tarjetas ni nada. En principio, me gustó la feria, encontré suficientes artistas interesantes, y el lugar no estaba nada mal. Pero después de ir a Nada (Art Fair) este sentimiento falleció y Pulse se me hizo medio equis.
Las galerías mexicanas que participaron aquí fueron Nina Menocal (con puros artistas Cubanos...) y EDS (que llevó a Chapela).
De lo que más recuerdo es del área de descanso, pues era un jardín muy verde con hamacas rojas amarradas de las palmeras. Un ambiente mucho más casual que Basel. Los pisos eran de concreto, así que te cansabas más caminando, pero como no estaba tan grande, no había problema. A parte, aquí sí me fijé en el mapa y solo me enfoqué en las galerías que tenían artistas interesantes para mi.
Hubo varios performances, pero el que más me impactó fue el de María José Arjona quien realizó un performance diario basándose en los talleres de Marina Abramovic. El que me tocó ver (y fotografiar) fue el de Affirmations #2 en el cual la artista balanceaba su cuerpo con una cuerda atada a la cintura que colgaba de una estructura mientras ella estaba parada sobre unos cubos de hielo que tenían objetos filosos como navajas y clavos. No me quedé todo el tiempo per se suponía que conforme se fueran derrtiendo, ella tenía que irlos sacando con los dedos de los pies sin cortarse. Que afán de sufrir ehh! Creo que me hubiera gustado más ver el de ella dibujando YES sobre una hoja de papel sin parar el movimiento de la mano durante una hora (en homage a la pieza positiva y optimista de Yoko Ono titulada "Yes Painting".)
Pero vayamos a los artistas y las obras expuestas en los stands:
Deborah Sperber - R.S.L. Esta pieza está compuesta por 597 tubos de hilo, es por eso que la resolución de la imagen es sumamente baja, pero cuando a la ves a través de una pequeña esfera de cristal, la imagen se incorpora en algo que reconoces. En este caso, el logo de los Rolling Stones. Según la artista, esta pieza es una metáfora de la poca información que el cerebro necesita para reconocer imágenes que ya había visto antes. Y bueno, sin pensar en todo esto, a mi simplemente me gustó por la originalidad del formato y su manufactura. No estoy segura si una pieza así terminaría en la colección del Moma o del Whitney... creo que le falta ese que se yo que la cataloga como una "obra de arte" persé.
Dionisio Gónzalez - Halong Esta imagen pertenece a la exposición titulada Post Utopía, la más reciente del fotógrafo y video artista español Dioniso Gónzalez. Al leer su nombre pensé que se trataba de un regio aristócrata con aptitudes artísticas. Al parecer a este artista le interesan los barrios marginados por que anteriormente había hecho una serie en las fabelas Brazileñas. Lo que Gónzalez hace es mejorar las condiciones de estas ciudades perdidas por medio de fotomontajes. En este caso, el reto fue mayor por que en lugar de arreglar un lugar sobre tierra o monte, está arreglando uno que está sobre el mar. En un principio, el lugar de la foto se ve increíble, perfecto, irreal, y el agua se ve limpia, uniforme... y si te acercas te das cuenta que las embarcaciones siguen ahí, y las imperfecciones también. Visualmente es un paisaje falso demasiado atractivo, una especie de Waterworld o MadMax caribeño... pero en Asia.
Rafael Lozano-Hemmer - Reaction Diffusion. Se me hace raro que una galería tan "avant-garde" como Bitforms esté en Pulse en lugar de estar en NADA (Art Fair). Aunque entiendo que quizá tenga dificultades para vender sus piezas por ser electrónicas, videoarte y todo lo que tiene que ver con New Media. El caso es que siempre que visito NY me doy la vuelta por sus instalaciones y nunca me desilusionan. A parte, representan a uno de mis artistas mexicanos favorito: Rafael Lozano-Hemmer. Y aunque su obra es de mayor formato y muchas veces es arte público, en esta ocasión, trajeron a la feria una pieza que cupiera en el stand. Reaction Diffusion es una serie de cajas de luz controladas que muestran fotos satelitales de fronteras que tienen disparidades económicas, un conflicto militar o alto tráfico migratorio. El uso de LED's ilumina estas zonas y uno de los primeros lugares que mostró fue la frontera de Tijuana con San Diego, la cual se iluminaba de color rojo mientras el lado gringo se quedaba negro y luego cuando va pasando la gente, se enrojece. Me llamó la atención, pero no sé si yo tendría algo así en mi casa... los comentarios políticos se me hacen muy inteligentes pero a veces uno necesita estar tranquilo y en su burbuja de bienestar... entonces ver una marea roja no es tan agradable, y sobretodo si te remite a las muertas de Juárez, las matanzas de los narcos y la brutalidad y tortura policiaca.
Dinh Q. Lê - serie de fotografía e instalación. La obra de este fotógrafo vietnamita-americano estaba medio escondida. Si no fuera por un señor que con mucho entusiasmo acarreaba gente hacia el stand de la galería Elizabeth Leach (Portland) no hubiera dado con su obra. Sus fotografías muestran áreas de Vietnam que irradian belleza y tristeza pero en este caso, lo que más me gustó fue la escultura o la bicicleta con los espejos. No sé qué signifique, pero es posible que estos espejos sean el intento de Lé para hacer que la gente se vea en ellos, que piense en sus orígenes, en su persona, en su camino por la vida. Que reflexione sobre como ha llegado al lugar al que está. Igual y mi interpretación es algo pacheca pero a veces te gustan ciertas cosas y no sabes como explicarlas. Lo que descubrí es que en la bienal de 2003, el director le designó una sala entera a este artista y a su obra y el Moma y el San Francisco Modern Art Museum han adquirido varias de sus piezas. (ahí es cuando me emociono y me doy cuenta que sí tengo buen ojo!!!).
Jim Campbell - Powell Street Campbell también utiliza LED's y New Media para realizar su trabajo. Powell Street es un video de una estación de metro (quizá en NY) por la cual pasan personas y se ven borrosas. Estos fantasmas representan la memoria y la forma en que pasa en tiempo en nuestras vidas. No estoy segura si la recuerdo ahora que escribo sobre ella. Ya vi el video, y no tiene nada espectacular, pero quizá en ese momento y en persona, si estaba padre.
Christopher Mir - The Dream of you is real. Esta pintura fotorealista me gustó por su detalle. El blanco y negro siempre me ha gustado y aquí lo que creo que me impacto fue el manejo de la luz. Las caras pálidas de las dos féminas aún muestran sombras. Las mariposas y el pájaro a color también me laten, son pequeños y sublimes contrastes que "levantan" la pintura. Y el árbol seco, quizá represente la muerte o la decadencia. La cuerda no sé para que es, y quisiera recordar si lo que la niña tiene en la mano es una papa o un huevo... surrealista quizá?
Eve Sussman & The Rufus Corporation - Extended Family Photographs.
Esta artista me late. Nunca había escuchado hablar de ella y de su colectivo, pero su estética es muy sesentera y por eso captó mi atención. Sussman trabaja con cine, video, instalaciones, escultura y fotografía y dirige un ensamble de performanceros, artistas y músicos que han colaborado en películas, fotografías y videoarte. Lo que me gustó de esta serie es que en una sola imagen pasan muchas cosas, son varios planos y capas de significados y me entretienen.
Airan Kang - Library Installation Fue inevitable acercarme a estos libros. Cuando algo está delineado con LED's que parecen neones de colores, es obvio que me voy a acercar. La obra de Airan Kang se vería muy bien en un coffee shop moderno, en un hotel minimalista (como el Habita o el Distrito Capital) o en mi biblioteca personal como parte de la decoración. El comentario detrás de la obra podría ser intelectualizado, pero yo en verdad no veo más allá de la imagen y de los títulos que este artista escogió. Por ahí vemos a Frida Kahlo, On the Road the Jack Kerouac, The Stranger, Buckminister Fuller, etc... cool books que todo artista debe tener (yo tengo muchos de esos -y no soy artista-) y el detalle es que no solo las orillas están delineadas sino también las tipografías e imágenes. Seguro son cajitas de luz adaptadas o cortadas como libros, no logro distinguir de la foto y no me acuerdo muy bien de qué eran (ya pasaron dos meses).
Charlie Roberts - 100 Short Stories Estas pinturitas me recordaron a las que venden a lo largo de Central Park o en Nueva Orleans. De esos señores o señoras que huelen a humedad y cigarro y que seguro están rodeados de antiguedades, periódicos viejos, fotografías y memorias. Con tantas cosas a su alrededor y tantas en mente, yo creo que Roberts tiene una amplia gama de imágenes y personajes que recrea con su pincel. Los colores que utiliza son dignos de una pintura que cuelga en un log cabin en medio de las nevadas montañas. Ese colorido acartonado y mate es para mi algo retro (pero me encanta lo retro). Pensando que estaba en Pulse y no en Basel, me atreví a preguntar el precio de una de las piezas -sin darme cuenta que ya estaba vendida- y el galerista angelino Richard Heller me dio el precio con amabilidad "It's sold out honey, but these go for 600 usd each." Entonces pensé, se me adelantó alguien... pero al menos lo compraron (y comprobé de nuevo que tengo un gusto muy común quizá??)
Eva and Franco Mattes - Mickey Mouse Postmaster. La verdad no quise investiga mucho acerca de estos. Solo me tomé la foto por cagada... Y por que me gusta Mickey Mouse.
Omar Chacon - pinturas
Hay muchas maneras de llamar la atención. Una es el nombre de la galería. Me super latió el nombre de la galería. Hasta pensé que era de Londres. Pero mejor aún que fuera de Los Angeles, aunque hubiera estado perfecto que estuviera en Nueva York. Pero bueno, lo importante no es esto, sino el artista que llevaron. Omar Chacón, de procedencia Colombiana ha destacado por sus pinturas chunky de gotas y lineas que al ser resaltadas, they pop out (disculpen el spanklish). Están increíbles y el cuate se ha de tardar muchísimo en hacerlas por que tienen que secar y demás. Que paciencia!!! Talk about two dimensions...
Y para concluir, lo que puedo decir es que había mucha pitura chunky, new media, muchos venados en todos tamaños, formatos y diseños, instalaciones con instrumentos, bajorrelieves y cajas de luz. Mucha faramalla... mucho ruído y pocas nueces.
